Si la pratique de la peinture, les bases techniques, les couleurs, les grands peintres vous intéressent, quelque soit votre niveau, rejoignez-nous, il reste de la place.
Je donne des cours de peintures hebdomadaires au Centre Louis Lagrange (jeudi de 18h45 à 20h15)
Cours pour adultes.
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Centre Léo Lagrange, les jeudis de 18h45 à 20h15.
https://www.centreleolagrange.fr/
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J’anime depuis la rentrée de septembre des cours de peinture hebdomadaire. Si la pratique de la peinture, les bases techniques, les couleurs, les grands peintres vous intéressent, quelque soit votre niveau, rejoignez-nous, il reste de la place.
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Centre Léo Lagrange, les jeudis de 18h45 à 20h15.
https://www.centreleolagrange.fr/
Voilà, c’est lancé, dès la rentrée, je proposerai des ateliers de peinture hebdomadaires !
Je suis très contente de cela, j’espère que je saurai convaincre les élèves et qu’ils se montreront sensibles à ma démarche. En plus de quelques conseils techniques, j’espère pouvoir leur faire (re)découvrir quelques peintures célèbres sur lesquelles travailler. Mais si je sens que cet axe semble trop « académique », je pourrais aussi les guider vers une expression picturale plus libre. Je m’adapterai tout en préparant un programme solide.
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Cet atelier s’ajoute à d’autres cours que j’ai déjà fait (lycée, association, institutions,…) et d’autres que je souhaite continuer de faire comme les ateliers de modèles vivants, atelier de peinture plein air, et les séances de dessins de manga pour préadolescents dans une autre structure.
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J’expose de nouveau 4 de mes peintures de ma série de « Carl Gustav Jung » avec les artistes de Pigment’T :
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ou ? Galerie du Bailli, place des Vosges d’Epinal
quand ? du 28 avril au 3 mai 2023
combien ? Entrée gratuite
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(exposition au bazar des beaux Arts de novembre 2022)
(exposition au chapiteau cristal décembre 2022)
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Je poursuis mon parcours romantique, qui vise, selon les bons conseils de Caspar David Friedrich (1774-1840), de développer ce qu’il y a sur la toile, mais aussi ce qu’il y a à l’intérieur de l’artiste. C’est pourquoi, la culture de la sensibilité, des maîtres anciens, des avant-gardes contemporaines, des psychologues, auteurs, mythologues, politologues, poètes est un travail constant et important. Il est également important d’avoir une bonne hygiène de vie, de manger ce que l’on cuisine, de pratiquer du sport, chercher le contact avec la nature, la méditation, la rêverie, etc…
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« Le peintre ne doit pas peindre seulement ce qu’il voit en face de lui, mais aussi ce qu’il voit en lui. »
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Depuis plusieurs années, je parcours dans mes carnets et sur mes toiles la peinture libre, ou dessin automatique, ou décoratif, intuitif etc,… L’année dernière j’ai repris le chemin des surréalistes, qui étaient très inspirés par l’Inconscient et notamment le travail du suisse Carl Gustav Jung. Sa sensibilité sur les traditions anciennes (mythes) et les religions et pratiques ésotériques sont très inspirantes, notamment parce que l’alchimie ou l’astrologie nourrissent également mon travail. Carl Gustav Jung (1875-1961) a également beaucoup travaillé sur les rêves, comme son ancien mentor Freud, mais aussi les mandalas. Ces formes sacrées géométriques sont évidemment des sujets qui me touchent, et dont on retrouve l’essence dans mon travail de motifs répétés circulaires, qui pour moi ont un rôle sacré, c’est à dire de communion (retrouvaille) avec les forces invisibles résonnant avec nos propres sens.
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C’est pourquoi j’ai fait une série de portrait de Jung, en pratiquant le « laisser-aller », s’approchant du Tao, et du Geschehenlassen. Cela m’a conduit à plus de peinture d’abstraction lyrique (que l’on voit en fond), comme les tableaux de Joan Mitchell.
Même si je me découvre de plus en plus sensible à l’art abstrait, il y a très peu d’artistes abstraits qui me parlent, tout simplement parce que selon mes goûts, ils n’ont rien à dire, dans le sens où ils ne se posent pas assez de question, ne cherchent pas assez de réponse, et ne se sont pas délivrés du goût officiel de la doxa (ce qui donne un résultat assez bourgeois, bien pensant et commercial de loisir créatif, mais qui fonctionne assez auprès du public actuel).
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Je poursuis ce travail de peinture abstraite « connectée » en position de transe, avec des projets de performances mêlant musique et lecture. Je prépare la performance du mois prochain pour les Imaginales.
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Romantisme
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Cela fait plusieurs années déjà que je visite la période Romantique en y découvrant des choses particulièrement troublantes : moi-même.
Ma démarche étant la recherche du moi profond, afin de le dévoiler et de le faire exister dans ce monde, actuellement hostile au romantisme, aux artistes et aux personnes sensibles et introverties, j’aime m’y baigner comme dans une source qui soigne mon âme et mon esprit des blessures de la civilisation moderne matérialiste et de ces injonctions à l’utilitarisme, la productivité de masse pour le profit d’un riche possédant, la vente de soi-même comme produit de divertissement (« se vendre »), convaincre non pas par nos savoir-faire, mais par notre attitude prétentieuse « winner » et sans émotions, si ce n’est bien-pensantes hypocrites. L’aube du Romantisme dans le crépuscule du XVIIIème siècle résonne en moi, mieux que les tendances populaires déversées par les médias appartenant aux castes des milliardaires de la planète.
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Ainsi Novalis et la fleur bleue. L’importance de la nature et de sa rencontre par les promenades et pérégrinations du français Jean Jacques Rousseau, ou encore son journal intime comme introspection rendue publique. Les sentiments personnels de Goethe. Et les artistes poètes, graveurs et peintres comme William Blake et son ami d’origine suisse Johann Heinrich Füssli.
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Le Romantisme protéiforme rassemble aussi bien la puissance, parfois dévastatrice et suicidaire des émotions et des sensations, le lointain et l’ailleurs dans l’espace et le temps : la beauté des ruines du passé (pas celles qu’on détruit, mais celles qu’on respecte qui témoignent d’un temps ancien), l’histoire et l’archéologie, le moyen-âge, ses romans et ses légendes arthuriennes ou de chevaliers (Byron), les grands écrivains du passé (Dante, Shakespeare,…), les anciens mythes et mythologies, l’exotisme des autres civilisations, les voyages et l’orientalisme (Byron, Delacroix), la haine du monde industriel (et du capitalisme) qui détruit les campagnes, le monde rural paysan et la nature, l’intérêt pour les petites gens, les gens du peuple, les marginalisés avec la création du folklore, la recherche des traditions et des contes populaires (frères Grimm), la nature dans ce qu’elle a de plus monumentale et parfois tragique, qu’ils s’agissent des grands glaciers ou des tempêtes maritimes (Turner), la puissance des émotions, de l’intime et des pensées personnelles et individuelles, le sacré, la spiritualité et le sensible, le fantastique et les choses étranges qui apparaissent dans le monde quotidien (apparitions, spectres, fantômes, lutins, petits peuples, fées,…), l’inspiration et les muses, le rêve et « l’inconscient »(théorisé plus tard par Freud, et utilisé par les surréalistes du début du XXème siècle), les choses sombres, bizarres et étranges dont le XIXème siècle se réapproprie et raffole (Baudelaire, Poe,…),…
Toutes ces choses constituent un chemin que les anciens ont construit, que je me dois de prendre et de partager en invitant chacun à s’y rendre, comme une révolte contre le monde moderne. Ce chemin vers le sensible, est le chemin sacré vers nous-même en tant qu’humain et non en tant qu’esclave, bientôt machine du capitalisme, déjà représenté dans Metropolis de Fritz Lang au début du XXème siècle, mais aussi présent chez de nombreux auteurs, comme Clive Barker (Hellraiser) ou les mangas Berserk. N’hésitez pas à consolider cet héritage en partageant en commentaire, les artistes, auteurs, musiciens, cinéastes qui vous semblent oeuvrer dans cette noble voie.
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Ma peinture
J’ai créé cette peinture à l’acrylique lors d’un marché d’artistes l’été 2018. J’aime bien peindre en public, à condition d’avoir préparé au préalable dans le silence et la solitude le sujet de mon tableau. Je suis mieux inspirée isolée, car j’ai trop d’empathie et je ressens trop de choses extérieures m’empêchant de me concentrer. Je ne parle pas non plus de tout le travail technique réalisé avant pour obtenir un résultat satisfaisant. J’ai remarqué que beaucoup de personnes se savaient pas comment une peinture se faisait, certaines m’ont demandé s’il s’agissait de collage, et ils ne réalisent ainsi pas le travail qu’il y a. C’est pour ça que c’est important de montrer au public tout le processus et le temps fourni dans une image. C’est aussi pourquoi je fais des vidéos de mes dessins que vous pouvez retrouver sur ma chaîne You Tube.
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Une fois, le visage peint, je ne voulais pas me contenter de cela. Je n’aime pas l’idée que n’importe qui peut faire la même chose que moi. Pas dans le sens où je me situe à un niveau supérieur à n’importe qui, mais dans le sens où, en tant qu’individualiste (ce qui n’est pas « égoïste » et encore moins « nombriliste »), je considère que chacun, ou n’importe qui est un individu, c’est à dire une personne unique avec son propre goût, sa propre expérience, sa propre sensibilité. Et en tant qu’individualiste, je me dois d’encourager chacun à être soi-même et non une copie de quelqu’un. Et je souhaite encourager la créativité personnelle, les émotions et les sensations pour chacun. Chaque personne est unique. Comme on dit, à force de vouloir rentrer dans le moule on fini par ressembler à une tarte. Rien de plus beau que l’authenticité, et donc le respect des autres dans leurs différences.
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Pour cette peinture, il me fallait ajouter des choses plus intimes, révélant mes recherches et mes sentiments du moment. Comme le dit le peintre romantique Caspar David Friedrich que j’aime citer (à peu près) : « l’artiste doit pouvoir représenter ce qu’il a face à lui, mais aussi ce qu’il a au fond de lui. » Il y a des lignes sinueuses rayés et chevronnées. Celles ci évoquent une sortie du corps particulièrement forte et marquante que j’avais fait. Il me semblait que mon corps traversait des vortex, des couloirs avec ce genre de motifs, pendant que j’entendais comme des sons de radio. Il y a des petits chevaux, déjà présents dans une autre peinture, évoquant le chevauchement vers d’autres mondes, à l’instar d’animaux psychopompes. Il y a la constellation de la licorne, présente à un point particulier au moment de ma naissance, signifiant une certaine capacité au soin apporté aux autres (ce qui en tant que féministe ne me plait pas particulièrement car je n’aime pas être réduite à cela sauf pour ceux que j’aime). Cette constellation est brodée sur la toile. Il y a une citation de Novalis de l’oeuvre Henri d’Ofterdingen associée à la fleur bleue qui se situe dans les cheveux de la femme.
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Fleur Bleue
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L’expression « fleur bleue » signifie aujourd’hui dans notre monde industriel matérialiste ce qui est niais, car sentimental et féminin, « gnangnan » voire geignard et plaintif. Aujourd’hui on dirait « fragile » ou « snowflake ». Mais justement, je choisis de défendre ces idées. La « fragilité », face à la brutalité n’est pas la chose la plus vile et haïssable de ces deux idées selon moi. Ce monde pue car il accepte trop, voire glorifie et encourage la brutalité, le crime et la délinquance et ringardise la bonté, l’honnêteté, le respect. Une société d’enfants-rois capricieux biberonnés à leurs smartphones et aux symboles capitalistes comme McDonalds, Apple, Amazon, qui ne rêvent qu’à la compétition et la destruction de l’autre pour se sentir plus puissants, affichant fièrement leur mépris de la culture, et de la sensibilité. Je préfère défendre les animaux rares, les guépards (en référence au film de Visconti parlant de la chute de l’aristocratie) plutôt que ceux qui pullulent et « s’adaptent » : les cafards. Le sur-homme darwinien ressemble plus à ces insectes se complaisant dans la fange et la crasse que de celui qui a besoin de terre et de rivière. Mais face à l’agression je n’appelle pas non plus à la non violence, car celle-ci protège le système de la loi du plus fort. Ma philosophie qui n’engage que moi est la loi inspirée d’Hamurabi : Oeil pour Oeil, Dent pour Dent, non à la soumission ! Je continuerai donc de développer ma sensibilité, d’encourager les autres à le faire et de la propager du mieux que je le puisse.
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La fleur bleue : L’extase de la beauté poétique inspirée par les muses de l’Amour et son parcours initiatique pour y accéder. Cette idée a été sali par la bourgeoisie, qui par essence se réapproprie les créations et travaux d’autrui pour les copier (« l’ère de l’ersatz et autres textes contre la civilisation moderne » est le nom donné à un recueil de textes politique de William Morris qui explique l’aliénation du travailleur pour l’objet industriel sans âme), les industrialiser, les vider de leurs substance, pour en faire un produit marchand, de masse, de mauvaise qualité pour un usage obsolescent, exploitant et aliénant au passage l’ouvrier qui l’a produit, polluant la terre et volant les ressources. Ce qui est le contraire des valeurs du romantisme. Le Romantisme, les sentiments et les émotions sont à peu près des ennemis de la pensée bourgeoise capitaliste. C’est pour cela qu’il tente de décrédibiliser tout ça et n’hésite pas à réduire cela à des « affaires de bonnes femmes », là où la majorité des romantiques sont des hommes, le XIXème siècle accordant peu de place aux femmes, si ce n’est Mary Shelley (Frankenstein) parente de ce mouvement romantique à travers son mari Percey et de ses amis Lord Byron et Polidori (le vampire).
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La fleur bleue est une expression utilisée dans Henri d’Ofterdingen de Novalis. Elle symbolise un passage initiatique que l’auteur associe parfois au culte d’Isis, amenant vers une pensée plus spirituelle et moins matérialiste et « quotidienne ». Elle est l’âme du poète qui rencontre l’amour, la quête du jeune garçon devenant un homme,… L’importance du monde sensible et inspirant, de la nature et des rêves. Un rite initiatique développant la sincérité, l’ ouverture d’esprit, la capacité à comprendre les forêts de symboles nous amenant vers la plénitude d’un amour pur (que certains associent au désir sexuel voire sa consommation, pour faire plus trivial donc vendeur).
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Voilà tout ce que j’essaie de transmettre dans toute une série de peinture. Mais sans l’aisance du verbe parlé et de la représentation tournée en acte de divertissement public, l’image peut-elle éveiller à tout ce que je viens d’expliquer ?
J’expose deux peintures au Centre Culturel d’Epinal du lundi 18 au samedi 23 mars 2019 en compagnie du collectif Pigment’T.
Retrouvez nous chaque jour ou lors du vernissage qui aura lieu mardi à 18h30 !
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Lilies : aquarelle, gouache, feuille d’or sur papier d’Arches. 60 x 80 cm
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Naïades, broderie et acrylique sur toile. 73 x 100 cm
Centre Culturel d’Epinal
4 rue Claude Gellée
Entrée libre
Je vous présente une peinture à l’huile sur châssis entoilé, réalisée entre mars et novembre 2016.
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.J’aime utiliser la peinture à l’huile pour réaliser de nombreux détails, mais cela prend beaucoup de temps pour finir une toile. C’est pourquoi j’en réalise deux à trois par an à un rythme d’une heure et demi par semaine, en espérant que je termine celle en cours pour entrer dans mon quota de deux par an.
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Je l’avais exposé à la galerie du Bailli en novembre 2016 à l’occasion de l’exposition et du marché de Noël. Elle était au côté de mes autres peintures « Lune Noire » et « jeune fille et montagne. »
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Voilà quelques images de références pour ma peinture. On me demande souvent si je me peins, mais j’utilise plutôt des images de références venant de visages qui me plaisent, généralement des mannequins de mode. Je ne trouve absolument pas que je leur ressemble, mais si on a l’illusion que c’est le cas, tant mieux pour moi.
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Je vous montre en photos, les étapes de la réalisation de cette peinture. J’aime bien utiliser la spirale d’or pour construire mon dessin.
Je débute assez grossièrement pour placer les traits principaux, voire les masses de couleurs quand c’est nécessaire. A ce stade, on me dit souvent « mais tu as changé de style ! » avec joie (autour de moi les gens préfèrent les styles un peu naïf et expressif voire abstrait à la mode chez les peintres amateurs dans les années 60 à 80, alors que j’aime les détails et le réalisme fantastique pour ne pas dire le pop surréalisme émergent des années 2000). On peut voir un petit croquis annonçant l’intention de la composition, même si celle ci reste « simple ».
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Je ne peins pas avec de la nourriture, mais j’aime bien manger des gâteaux, c’est je pense le secret ultime d’une peinture réussie.
J’avais commencé par l’arrière plan, en voulant créer une zone de profondeur en utilisant du flou de perspective.
C’est assez intéressant de voir comme le visage change d’expression et prend vie selon qu’il évolue.
J’utilise très peu de noir, j’aime ajouter des ombres avec des mélanges de bleu outremer.
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On me demande souvent pourquoi je ne commence pas par les yeux ou si j’oublie de mettre des cils ou des cheveux, mais c’est parce que je place les détails en derniers.
J’avais une idée de fleurs au début, mais entre temps, je crois que j’ai oublié ou j’ai changé d’humeur pour faire des fleurs à pétales plus bombées, comme des roses ou des pivoines. J’aime bien ce thème de la nature, des prairies printanières et également le thème plus sec de la serpette, de la faucheuse sévère et effrayante.
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J’aime bien cette couleur de cheveux, qui me rappelle certains films des années 60-70. J’aime de manière général l’ocre, mais plutôt par touches qu’en applat.
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Voici un gif de l’évolution de la peinture :
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Voici une peinture à la gouache sur carton entoilé réalisée en août 2015.
Je voulais représenter certains poissons comme l’esturgeon et la murène suite à une conversation avec mon conseiller occulte.
J’avais envie d’utiliser une pâte de relief pour créer quelques textures sur la toile. Cela reste subtil en photo, mais se dévoile lorsqu’on observe cette peinture devant soi de plus près.
On voit notamment mon logo Holy Mane, tamponné dans la matière créant quelques motifs subtils.
Pour cette peinture, j’ai avant tout voulu partir d’une palette de couleurs bien définie, un exercice intéressant dont voici le moodboard.
Ensuite, sans trop savoir pourquoi j’ai dessiné ce squelette de cerf.
Voici quelques étapes de la peinture :
J’utilise peu la gouache sur toile ces derniers temps, j’utilise plutôt la peinture à l’huile, mais je voulais faire une peinture qui me prenne moins de temps. (Ma peinture « Lune noire » m’avait pris par exemple 40 heures).
J’ai aimé peindre ces poissons dans une palette choisie, mais ce n’était pas si facile et j’ai du faire preuve de grande patience et de persévérance.
J’ai présenté plusieurs fois cette peinture au public, notamment pour l’été des artistes en août 2016.
Voici une aquarelle réalisée l’automne dernier.
Je me suis inspirée d’une personne dans une marre menaçante.
La nature m’inspire beaucoup notamment une petite marre près de chez moi à qui je rends visite quelque fois. Il semble y voler quelques créatures invisibles et cela donne naissance à des herbes hautes, des feuillages et des fleurs harmonieusement mis ensemble.
Je regarde l’environnement aussi avec des yeux de pattern designer, je chasse le motif, le dissèque et m’en inspire ouvertement. Rien de mieux qu’une balade pour voir toutes les textures, les matières et les couleurs nous donner envie de les imiter.
Voici donc quelques photos de la marre, qui inspire fortement pour des motifs camouflages.
Voici des étapes du dessin.
J’ai filmé un court instant du dessin au pinceau et à l’encre :
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Un détail
Toujours légèrement en retard pour présenter sur mon blogue mes illustrations. J’ai réalisé celle ci l’année dernière et je l’aime beaucoup.
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J’aimerai continuer à aller dans ce sens et mêler la précision des traits du visage et la stylisation plus libre de celle des cheveux tout en ajoutant un fond inspiré de mes recherches en pattern design.
Je l’ai réalisé à la peinture à l’eau, aquarelle principalement et reprend un peu le principe de « Serpentine » dans les lignes claires au pinceau, la palette de couleur restreinte, l’aquarelle et le fond décoratif.
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J’ai inclus un motif de cheval, pour cela je l’ai gravé dans une gomme et imprimé sur le papier.
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On retrouve également des motifs récurrents comme le cube, les cristaux et des symboles plus ou moins astrologiques. Le cheval a ici un symbole de protection et rappelle le signe du sagittaire, sensé m’encourager à aller vers mes projets.
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On peut dire que cela a plutôt bien marché car j’ai exposé cette peinture récemment au marché couvert d’Epinal avec d’autres artistes illustres locaux. Cette exposition fait d’ailleurs parti d’une longue liste qui s’est écrite cette année. J’en reparlerai prochainement.
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En actualisant mon book (celui que je transporte avec moi), je me suis rendue compte que je n’avais pas montré en détail ma peinture à l’huile « Lune noire ». Je suis très contente de cette peinture, elle représente beaucoup de choses et j’ai passé un temps considérable dessus (une quarantaine d’heure). Je l’avais préparé l’année dernière, et je l’ai fini en mars-avril 2015.
Pour préparer une peinture, je ne commence jamais avec une toile blanche et un pinceau couvert de peinture, je crois bien que c’est un cliché qui existe rarement quand on peint à la manière réaliste comme je le fais. Je fais beaucoup de recherches, je réunis des idées et ensuite je recherche des documents visuels de référence qui m’inspire et correspond à mon idée. Quand je n’ai pas de personnage, je prends la pose et fait une photo de moi.
Le visage vient d’un mannequin de défilé haute couture, on me demande souvent si je ne me suis pas représentée, j’aimerai bien être aussi jolie que les visages qui m’inspire et ceux qui travaillent dans la mode et le monde de la beauté (maquillage, cosmétique,…). Le pendentif avec mon logo existe réellement et la robe aussi, mais en noir. Je suis loin de savoir dessiner ou peindre des loups de mémoire, on s’imagine que c’est facile, mais pas du tout. Je fais ensuite un photomontage assez grossier grâce à photoshop et l’imprime sur papier. Maintenant j’utilise une tablette, ça me convient aussi.
J’ai pu présenter cette peinture durant mon exposition à l’hotel Kyriad en mai 2015, j’étais plutôt assez fière.
Cette peinture représente l’arcane majeure XVIII du Tarot : La lune. Ce n’est pas spécialement une carte de bon augure, car elle peut signifier l‘illusion, le mensonge, le rêve, quelque chose de flou. Pour moi la Lune est très importante, elle est une de mes dominante planétaire comme beaucoup d’artistes. Une planète n’est jamais que positive ou négative, elle a des aspects variées et parfois certains prennent le pas sur d’autres.
On m’a longtemps reproché mon côté « lunaire », mais je n’ai jamais compris ce qu’il signifiait vraiment jusqu’à ce que je comprenne que les autres n’étaient pas comme moi. C’est un peu comme si des aveugles me reprochaient de voir des choses et d’y prêter attention. Je choisi volontairement un sens, car la lune représente la sensibilité, celle ci est assez mal vu dans nos sociétés basés sur le productivisme, le capitalisme, les loisirs rapides, pourtant c’est pour moi une grande chance et un don magnifique que d’être sensible, évidemment, beaucoup de gens aiment jouer avec notre sensibilité, c’est pourquoi il est important d’apprendre à se protéger. La carte de la lune nous indique qu’on peut se protéger grâce à la carapace de l’écrevisse, lié au signe du cancer. Le crabe peut se protéger avec sa carapace mais aussi pincer, à nous d’apprendre à développer cet aspect.
Cette carte peut aussi représenter la magie, l’eau reflète comme un miroir un monde parallèle, c’est pour cela qu’on peut parler d’illusions, de choses qui ne sont pas celles qu’elles paraissent. La sensibilité de la lune permet de voir à travers les reflets, et à travers les rêves. Je fais très attention à mes rêves et mes visions et je travaille à développer cette sensibilité encore et encore.
J’ai figuré différentes étapes de ma peinture, on ne le sait pas, mais à chaque fois que je devais me lancer sur l’une d’elle, j’étais terrifiée et me demandais comme j’allai y arriver, c’est un peu la première fois que je peignais des paysages, puis des éléments architecturaux, puis de l’eau, le détail du visage, les cheveux, les plis de la robes, etc,… En revanche même si le ciel a été une étape effrayante, j’ai bien aimé le faire.
La lune a un pouvoir attractif, on le voit plus clairement avec les marées, cette attraction est comme un pouvoir absorbant, celui permettant une grande empathie, en prenant les émotions alentours et bien plus (les traces liées à des lieux ou des objets). C’est pour ça que j’ai compris que je devais m’éloigner de la foule, du métro, j’ai tendance à absorber sans m’en rendre compte les émotions et celles ci sont rarement positives, ce qui affecte mon morale et de là je passe d’un état neutre à un état de tristesse d’où l’appellation de lunatique. Or je ne change jamais d’humeur sans raison, mais certaines personnes n’ont pas la capacité de ressentir ou de comprendre ce mécanisme, parfois je me demande si certaines personnes ressentent des choses, est ce agréable, ennuyeux, pratique ?
Parfois quand les gens savent que je fais une exposition, ils me demandent si « ça marche », si j’ai bien vendu etc,… Je suis toujours un peu gênée car j’ai l’impression qu’on me parle de mes enfants. Se séparer d’un travail aussi important est toujours particulier. Je sais que je fais mal ma commerciale sur ce coup, mais je suis un peu sentimental de mes peintures.
Depuis quelques temps, j’essaie de plus travailler les couleurs. Il y a vraiment des teintes qui me donnent des émotions vibrantes et l’association de couleurs est comme un langage particulier.
J’observe donc encore plus tout ce qui m’entoure (c’est pourquoi les intérieurs unis blancs ou gris m’ennuie). En ce moment j’adore observer le ciel et les variations du soleil dans les nuages, je réfléchis à la manière d’enregistrer cela. Je regarde ces teintes discrètement pour ne pas alimenter le cliché des « artistes déconnectés de la terre », qui ont « la tête dans les nuages », alors que justement mon cerveau capte un maximum d’informations, mes yeux analysent les couleurs et les formes dans le but de pouvoir retranscrire cela sur papier ou toile tellement cela me parait plus excitant que le dernier buzz à la mode sur facebook.
Work in progress
Etapes de créations :
A la fin de l’hiver dernier, je suis passée en Suisse et j’ai observé avec attention les montagnes. Elles me paraissaient également fascinantes et c’est pour cela que j’ai voulu en peindre. Cette peinture à l’huile sur carton entoilé et encadré a été exposé lors des Imaginales à l’hôtel Kyriad d’Epinal en mai 2015, je n’avais pas encore pris le temps de le montrer plus en détail.
Je n’avais pas encore publié ici ma peinture à l’huile nommée « cavalière ».
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Vous pouvez maintenant me soutenir financièrement via le site Buy me a coffee.
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En effet, si par exemple vous n’avez pas spécialement envie de posséder mes impressions, commander un portrait, un besoin en graphisme pour un logo ou une plaquette, envie d’un T shirt avec mes illustrations ou un foulard pour décorer votre mur, vous pouvez juste me soutenir en m’offrant un café ou son équivalent.
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J’ai choisi ce site pour sa simplicité, il n’y a pas besoin de créer de compte pour m’offrir un pourboire. Le site permet néanmoins un large choix d’offres :
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– Home : M’offrir l’équivalent de 1, 2 ou autant que vous le souhaitez, cafés (5 €).
– Membership : me soutenir mensuellement sous 4 niveaux d’abonnements de 1 à 20 € (contre du contenu exclusif, des envois d’impression,…).
– Posts : Avoir accès à du contenu exclusif à propos de ma création.
– Wishlist : Avoir accès à une liste d’envie pour des cadeaux éventuels.
– Extra : Une boutique où je propose des commandes pour des portraits dessinés ou peints.
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J’explique dans mon premier post, ce qui motive le fait de recevoir un don plutôt que de vendre un article :
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J’ai plusieurs boutiques en ligne : society6.com/holymane et holymane.redbubble.com pour acheter mes créations. Toutefois, si vous voulez juste me faire plaisir ou m’encourager dans ma création, vous pouvez aussi bien m’offrir un pourboire ou un café. En effet, si vous achetez un T shirt sur redbubble par exemple, les frais de ports sont supérieurs à la marge que je me fais, et m’offrir un café s’avère parfois plus « rentable » pour moi dans cette opération (surtout que j’ai moins de travail à fournir). Evidemment, si vous aimez vraiment l’illustration que j’ai créé, je serai heureuse aussi.
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.Les Extras me permettent de proposer des services ou des produits. Pour le moment, cela me permet de montrer plus clairement comment passer commande pour des portraits :
– numérique
– crayon et encre de Chine (A5)
– aquarelle (A5)
– peinture (A4)
– peinture sur toile (F12 – 50 x 61 cm)
– pdf tuto
J’aimerai proposer d’autres produits, comme des tutos sous format PDF numérique à télécharger, des dessins à colorier, des cartes postales, linogravures… (ces derniers produits sont en vente lors de mes marchés, expositions ou en m’envoyant un mail en choisissant via la rubrique boutique de mon site).
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Et vous ? Connaissiez vous ce genre de site ? Avez vous un compte ? Donnez vous quelques pourboires à des créateurs ? Que pensez-vous de ce genre de système économique?
