Holy Mane au Marché d’Automne

Holy Mane au Marché d’Automne

Bonjour, retrouvez moi ce week end au Marché d’Automne de Pigment’T !

 

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Vous pourrez découvrir mon stand parmi une dizaine d’autres exposants. Ce rendez vous désormais annuel vous permettra de découvrir et d’acheter des cartes postales, cartes de voeux, livres de coloriage, poster, bijoux d’art textile et illustrations et peintures originales de Holy Mane.

 

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Ou ? : 

Centre Culturel d’Epinal

4 rue claude gellée 88000

Quand ? :

samedi 10 Novembre de 9 h à 18 h
et dimanche 11 Novembre de 11 h à 17 h 00

 

 

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Holy Mane Créatrice Textile

Holy Mane Créatrice Textile

Bonjour à tous, cela fait un moment que je vous parle de ma pratique textile, et pourtant il reste encore tant à en dire.

« En plus d’Epinal, j’ai été très heureuse de pouvoir exposer en 2015 et  plusieurs fois en 2016 à Chieri(Italie) et Montigny les Metz et en 2017 à la Manufacture de Roubaix. pour leur exposition Eau Textile. »

Je vous propose de vous montrer un peu plus de mon travail, mais également de vous présenter quelques tutoriels de mes tissages (bientôt). Mais pour le moment je vous invite à découvrir ou redécouvrir quelques unes de mes pièces uniques :

 

 

 

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Ces pièces ci dessus ont été exposés en octobre 2016 au Centre Culturel lors de notre exposition Fiber Art Epinal.

J’ai encore de nombreuses pièces que je n’ai pas mise en ligne, vous en verrai dans mon portfolio, certaines étaient en vente sur ma boutique A Little Market, et j’avais comme projet de refaire une boutique sur Prestashop, mais ils ont tout effacé ma boutique (en construction) sans que je ne comprenne pourquoi. De plus, si vous avez suivi les infos, l’entreprise ALM s’est faite rachetée par Etsy, qui a décidé de fermer ensuite ALM, laissant de nombreux vendeurs sur le carreau. En gros c’est un peu le bordel.

 

Voici d’autres bijoux d’art qu’on peut trouver parfois sur mes stands ou plateforme de vente (boutique en ligne. Je repasserai un temps sur Etsy et migrerai peut être sur tictail). Si une pièce vous intéresse n’hésitez pas à me laisser un message bien entendu.

 

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Personnellement mes créations sont plus des oeuvres, appelés bijoux d’art et mon but ici n’est pas de vendre pour vendre, mais de proposer à la vente ce que je produis, comme dans une vitrine. J’ai vraiment besoin de savoir que le client aime ce qu’il achète, mais qu’il ne le fait pas, juste parce qu’il a suivi une technique de vente qui pousse à l’achat.

 

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Je sais que tout ça est complètement anti commercial et que je vais finir en enfer, mais je mets tellement de coeur dans ce que je fais, je ne recherche pas de « recette qui marche », de production industrielle (je parle pour ces oeuvres là, mais j’adorerai dessiner une collection pour une marque par exemple), que j’ai du mal à laisser partir mes créations. En plus généralement le public ne comprend pas que le prix soit plus élevé (entre 50 et 95 €) que des pièces produites de manière industrielle dans des pays où la main d’oeuvre surexploitée est moins chère, avec des matériaux de mauvaises qualités, dans des conditions indignes et polluantes, avec des techniques superficielles (coller des perles, plutôt que les broder,…), etc…

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Sans parler du pourquoi je ne propose pas des produits « à la mode », tant par le style que dans le « discours » comme dessiner des chouettes dans un style vectoriel avec des couleurs flashy destinées à envoyer des signaux aux cerveaux moins développés (à la base ceux des enfants),… avec un discours hypocrite sur l’amour et le fait que vous deviendrez heureux et riche et gentil dans un monde d’amour, surtout si vous faites un voeux chaque fois que vous attachez votre produit à vous même et vous pouvez même ouvrir vos shakras en postant la photo sur facebook…  Non mes broches font peurs, pourtant je vous garantie qu’elles ne sont pas contaminées à l’anthrax, même si j’utilise des couleurs sombres, pastels ou « patinées ».

 

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Longtemps j’ai expliqué le travail du fait main, ou du style intemporel plutôt que la tendance (qui sert à écouler des stocks tous les 6 mois ou plus chez H&M) mais maintenant, je ne me force plus. Je le fais, j’explique (parce que si vous lisez ce blogue vous avez remarqué que j’aime expliquer) mais si je vois que la personne en face est bornée, lobotomisée par le système consumériste actuel je la laisse à son ignorance et la guide vers des hand spinner.

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Et comme je suis sympa, je vous ai même fait une vidéo où je vous réexplique tout comme il faut (« décidément elle aime bien expliquer, est ce parce que les gens auraient du mal à comprendre ?« ).

Fiber Art Epinal (actualités)

Fiber Art Epinal (actualités)
Voilà plus d’un an que nous avons lancé, une amie et moi, notre atelier de Fiber Art à Epinal.
Je peux dire être très contente de pouvoir partager tout ce que j’ai appris durant mes formations d’arts appliqués et d’arts plastiques et en autodidacte en rapport avec les arts plastiques ou le textile.
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Le lieu
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Nos ateliers se déroulent dans les locaux de la Maison des Associations (anciennes casernes Schneider pour les autochtones). Nous avons donc à disposition une grande salle principale pouvant accueillir d’autres membres et nous sommes rattachés à l’Académie d’arts plastiques. Il est demandé à chacun d’apporter son matériel. Voici une liste d’exemple du matériel à avoir.
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Forum des Associations 2016
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L’événement mettant en valeur la vie associative locale se déroule en septembre, il s’agit du forum des associations, au port d’Epinal. C’est là que j’ai d’ailleurs pu connaître la majeure partie des activités auxquelles j’ai pu assister. J’étais donc présente pour promouvoir l’atelier et ainsi parler aux personnes intéressées.
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J’ai remarqué que bien que le Fiber Art soit bien répandu depuis les années 60, beaucoup de personnes ne connaissent pas et donc ne s’y intéressent pas. Pourtant il y a un grand retour des techniques liées au textile, le tissage notamment, cela grâce aux loisirs créatifs qui arrivent à créer une publicité élargie mais qui bride aussi la discipline à une cible restreinte, j’en reparlerai.
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Public
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Personnellement je souhaite ouvrir cet atelier à un large public, qu’il soit jeune ou vieux, femmes ou hommes, débutants ou professionnels. Je souhaite qu’il y ait un réel échange et casser les cloisons auxquelles nous habitue malheureusement le marketing. Le marketing s’adresse à une cible et je trouve que cela a des effets pervers d’exclusions. Pour moi qui n’aime pas les cases, j’aimerai que l’art plastique ne soit pas un prétexte à une identité mais soit ouvert sur plusieurs horizons tout en étant guidée par le fil conducteur de la pratique artistique.
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Qu’est ce que j’entends par « pratique artistique » ?
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Pour moi il est important qu’un individu se retrouve comme créateur, c’est à dire qu’il réfléchisse à trouver des solutions face à une problématique. Cela induit qu’il doit créer à partir des formes brutes dont il a à disposition. Si quelqu’un souhaite utiliser un tissu par exemple, j’aime lui rappeler qu’il peut réfléchir à l’origine de la matière « tissu », comment a t’elle été créé, peut il la créer lui même ?
La matière et sa manipulation est une des bases du travail plastique.
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Ainsi, l’artiste créateur se dégage du simple consommateur de kits proposés en loisir créatif. je ne renie pas les loisirs créatifs mais j’aime à rappeler qu’ils émergent grâce à un système capitaliste qui crée un besoin éphémère à travers des tendances qu’on invite à suivre (en usant d’exclure les gens parce qu’ils seraient ringards de ne pas consommer leurs produits du moment, qui leur promettrait une vie géniale, pleine de succès, de richesse, d’amis et d’amants (quand on regarde une publicité c’est généralement le message lancé) et non parce qu’on le désire sincèrement). Ces modes ont par exemple repris le concept de la « recup ». Mais comment des commerciaux peuvent ils se faire de l’argent en lançant un concept opposé à leur propre logique ? Eh bien il suffit de regarder la presse, les tendances pour voir qu’il existe même des kits à vendre de « récup ». Ces mêmes kits se devant d’être attirant pour l’oeil du chaland, donc bien emballé de plastique et de papier. Je ne critique pas la récup vu que c’est ma manière principale de créer, mais il faut rester conscient selon moi de toutes ces choses, du moins si l’on est sensible à ces sujets. Comme je l’ai dit plus haut, chacun peut être jeune, vieux etc et il peut de la même façon manger, prier, voter, pratiquer sa sexualité, comme il l’entend, du moment que ça ne nuit à personne.
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Le système « récup » si l’on y adhère ne doit pas être une simple mode, mais une question de bon sens, rien ne sert d’acheter un pull made in Asia 20 euros dans une chaîne de grande distribution pour ensuite le découper. En revanche il existe plein d’alternatives dans les brocantes, chez Emmaüs et certaines friperies. Pour ma part, même venant d’une friperie, même trouée, j’ai du mal à découper dans mes vieux vêtements. En revanche comme je fais un peu de couture, j’utilise volontiers mes chutes, et je peux les échanger avec d’autres qui font de même.
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Donc voilà pour moi la différence entre un créateur et un consommateur. Nous devons nous rappeler qu’on essaie quand même d’être des adultes, pas simplement des enfants qui jouent et ont besoin de divertissement ou d’occuper leurs ennuis. J’estime qu’il faut dépasser ce stade. C’est pour cela que dans nos ateliers nous proposons de nombreuses choses, mais il est important d’avoir à l’esprit que ni moi ni ma collègue sommes payés pour divertir ou occuper des personnes en besoin d’attention. Nous sommes bénévoles et donnons de notre temps gratuitement. Ces exigences peuvent paraitre strictes mais c’est pour garantir un niveau à la fois intéressant tout en encourageant ceux qui débutent et n’ont aucune pratique mais qui ont envie de s’exprimer.
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Par ailleurs nous pouvons intervenir, en dehors de cet atelier pour des publics spécifiques et là, apporter ces attentions plus précises. J’ai notamment animé un atelier en novembre 2016 à la Maison de l’Environnement avec des matériaux végétaux et assisté à un atelier « tissage » avec des enfants de CM2.
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Exposition de septembre 2016
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Nous avons pu montrer le travail de notre atelier lors d’une première exposition le 29 septembre 2016 au Centre Culturel d’Epinal. Cet événement fut un réél succès, le vernissage était pour moi mémorable, un de nos artiste proposait une performance inspiré du shibari avec une chanteuse, tout le monde avait cuisiné des mets délicieux et les gens étaient attentifs à nos discours. Nous avons été d’autant plus satisfaites que nous avons du nous occuper nous même de notre communication sans aucune aide (malgré les subventions perçues par notre association mère, qui nous fait payer notre propre adhésion). La presse était présente, nous avons même eu quelques secondes à la télévision. Je ferai un retour sur cet événement très bientôt.
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A cette occasion, j’avais écrit ce texte ci dessous, affiché sur les murs et résumé lors de mon discours sur les origines du Fiber Art.
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Qu’est ce que le Fiber Art ?
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Le Fiber Art, également appelé Fibre Art est une catégorie d’Arts Plastiques qui utilise comme matière première la fibre (le tissu, le fils,…) ou des techniques liées au textile (tissage, broderie, couture, tapisserie…). Le travail plastique peut également se référer aux traditions et aux mythes en rapport avec le textile. Il met en avant le travail manuel de l’artiste et privilégie l’aspect esthétique ou conceptuel à l’aspect utilitaire.
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Est ce nouveau ?
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Les arts textiles sont une pratique utilisée depuis toujours. Le textile a longtemps eu un rôle principal utilitaire (vêtement, linge, accessoires,…) mais de plus en plus les artistes l’utilisèrent en Beaux Arts. Dès les années 1950, de plus en plus d’artistes et artisans utilisent des matières et des techniques traditionnelles comme la céramique ou le tissage.
Dans les années 60 et 70, le fiber art connait un essor important, la pratique textile est très en vogue aussi bien artistiquement que comme loisir ou dans la décoration. Les femmes artistes vivent une révolution avec le mouvement féministe et beaucoup d’entre elles utilisent ce média. La tapisserie moderne et contemporaine apporte une reconnaissance du Fiber Art.
Le Fiber Art continue de se développer, on ne le nomme pas toujours ainsi, mais il reste très présent dans l’art contemporain.
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Qui sont les artistes les plus connus ?
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Récemment primée au Nobel des Arts, Annette Messager exposait déjà dès 1972 « les pensionnaires », des moineaux empaillés et emmaillotés dans de la laine et du tissu. Son oeuvre utilise souvent du textile tout en critiquant la condition féminine liée aux travaux d’aiguilles.
Christian Boltanski utilise beaucoup les vêtements comme trace dans ses installations.
Louise Bourgeois utilise également beaucoup le textile.
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Pour voir plus de travaux d’artistes, je vous invite à consulter la galerie Pinterest de Fiber Art Epinal : https://fr.pinterest.com/fiberartepinal/artistes/
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Le terme désigne t’il un concept internationnal ?
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Le Fiber Art est internationalement connu et pratiqué. Régulièrement on peut voir des expositions dans de nombreuses grandes villes. On trouve sur le site Wikipédia une définition du Fiber Art en anglais et une en italien, mais pas en français.
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Le Fiber Art est souvent associé aux « loisirs créatifs », expression commerciale visant à consommer un certain type de produits préfabriqués, parfois en kit, qui malheureusement réduit souvent cette activité à une certaine cible (la ménagère de plus de 30 ans) figée à une sphère domestique et dans un but utilitaire. L’art a ceci de moins réductible qu’il ne se limite pas à un genre ou un age. L’art est une recherche plus profonde sur le concept, l’histoire, la sociologie contemporaine, la philosophie, la forme, il communique un message, une émotion et n’hésite pas à expérimenter dans des recherches plastiques, formelles ou chromatiques moins limitée par seulement ce qui peut s’acheter en magasin. Les artistes créateurs doivent souvent avoir une connaissance et une maitrise technique suffisamment avancée pour exprimer leur sensibilité. Toutefois, un certain minimalisme peut également s’avérer conceptuel et véhiculer un message.
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Dans le livre écrit en 1984 par Rozsika Parker, The Subversive Stitch: Embroidery and the Making of the Feminine, l’artiste Kate Walker écrit :
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« Je ne me suis jamais demandée si l’association de la broderie avec la féminité, la douceur, la passivité et l’obéissance pouvait subvertir les intentions de mon travail féministe. La féminité et la douceur font partie de la force des femmes. De plus, la passivité et l’obéissance sont en totale contradiction avec les qualités nécessaires à un effort soutenu pour les travaux d’aiguille. Ce qui est requis ce sont des talents physiques et mentaux, un fin jugement esthétique en matière de couleur, texture et composition, la patience durant de longues formations et une personnalité affirmée en design ( et, conséquemment, une désobéissance aux conventions esthétiques). La force tranquille ne doit pas être confondue avec une inutile vulnérabilité. « 
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L’art s’adresse néanmoins à tous ceux qui le veulent. Pour le débutant, la pratique du Fiber Art peut développer la créativité, entrainer la concentration tout en apportant relaxation. Il apporte un moment pour soi, loin de certains tracas ou divertissements « passifs » comme peuvent l’être la trop longue exposition aux écrans. Le Fiber Art peut être un moyen de découvrir une pratique artistique en se faisant plaisir, en avançant à son rythme, en apprenant de nouvelles choses et rencontrant de nouvelles personnes.
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Pour Holy Mane le tissage comporte en ses gènes une symbolique de la transmission. Transmission du savoir : des motifs qui représentent souvent une identité ou une caractéristique; et transmission de la transmission dans le sens où le savoir se perd. La société de consommation coupe certains liens, n’éduquent plus à la complexité et la mesure d’un long temps passé sur une activité face à un monde qui fait l’éloge du rapide et du superficiel. La transmission de la transmission est également ce qui crée un lien social avec des personnes partageant la même terre. Rappeler que l’homme a créé des choses, qu’une seule vie ne peut suffire pour réaliser certaines oeuvres, mais que celles ci peuvent survivre plusieurs siècles grâce à la transmission.
Il y a quelque chose de féminin dans cela, alors j’imagine une transmission féminine préservant un geste et des formes dans lequel se cachent une tradition magique et féminine. Le geste et la répétition de motifs peuvent s’apparenter à une méditation à l’instar des mandalas tibétains. Est ce le geste et le chemin le plus important ou le résultat final ?
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Mon parcours
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Ceux qui suivent mon travail depuis plusieurs années connaissent déjà un peu ma production d’oeuvres textiles. J’ai toujours eu un pied dans les arts appliqués et un autre dans les arts plastiques, ce qui décontenançait parfois (encore ces histoires de cases). Dans ma production d’oeuvres uniques, mais parfois portables, nous pourrons alors parler de bijoux d’art.
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Pour ceux qui arrivent pour la première fois sur mon site, voici un petit résumé : Après des études d’arts appliqués (Bac) (Seine et Marne) et de stylisme de Mode (BTS) à Lyon, j’ai complété ma formation par des arts plastiques (Licence) à Paris 8. Je m’oriente aujourd’hui plus vers l’illustration de mode, mais pour moi cela englobe une logique plus vaste, enrichie par ma production plastique (fiber art) et picturale (peinture). Je n’ai cessé de créer des « bijoux » en broderie, crochet et autres techniques, et aujourd’hui le tissage (DIY) prend de plus en plus d’ampleur.
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J’avais commencé un blog pour partager mes coups de coeurs relatifs à la broderie.
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J’ai testé de nombreuses techniques Do It Yourself, c’est à dire en bricolant avec les objets qui m’entouraient, des façons de tisser. Internet a été une grande mine d’informations mais qui nécessite une pratique pour valider la théorie. On peut ainsi faire des tissages « simples » d’armure toile, unie ou à rayures voire à tartan avec de simple morceaux de cartons en guise de métier à tisser. On peut très bien se passer de cette base de métier à tisser avec du tissage à la ceinture, c’est d’ailleurs une technique que j’aime utiliser pour les tissages dit « aux cartons », permettant de faire des motifs.
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de gauche à droite : tissage « simple » armure toile tartan, kumihimo, tissage aux cartons
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Photo pour un tutoriel de tricotin.
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En plus d’Epinal, j’ai été très heureuse de pouvoir exposer en 2015 et  plusieurs fois en 2016 à Chieri (Italie) et Montigny les Metz et en 2017 à la Manufacture de Roubaix. pour leur exposition Eau Textile. J’avais également exposé une « poupée » Fiber Art à Paris en novembre 2014 mais les organisateurs n’étaient pas sérieux (le monde de l’art n’est pas toujours un monde rose).
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« blouse ouvrière » exposée à la Manufacture de Roubaix du 3 février au 26 mars 2017
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Actualité 
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Nous avons récemment pu exposer une deuxième fois dans un restaurant d’application. Cette exposition se déroule du 28 février au 9 avril 2017. Je ferai une note le temps venu.
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Nous continuons de communiquer encore et toujours et enfin nous organisons un dimanche entier (de 10 à 17h) pour les personnes moins disponibles en semaine, pour découvrir notre atelier.
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Nous participons à une exposition en Italie pour mai 2017 et une autre à Epinal pour octobre 2017.
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N’hésitez pas à me poser d’autres questions si le sujet vous intéresse.
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Exposition Young Fiber Contest en Italie

Exposition Young Fiber Contest en Italie

Je viens de terminer une pièce d’art textile qui m’a pris beauuuucoup de temps. Je suis très en retard sur la publication des notes de mon blogue, du coup retour sur une exposition de cet été.

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J’ai participé à une exposition d’art textile dans la ville de Chieri en Italie du nord près de Turin qui avait lieu du 17 juin au 18 juillet 2016. Il s’agissait à la base d’un concours pour les moins de 35 ans : Young Fiber Contest, organisé via une exposition « Trame d’Autore ».

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Lieu d’exposition, une ancienne blanchisserie réhabilitée (il me semble).

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J’ai proposé une pièce composée d’une de mes broches à œil réalisé en fin détails de broderie de fils, de perles, de dentelles, de fausse fourrure et d’un oeil articulé d’ancienne poupée. Cela était la base mais aussi le centre de mon oeuvre, appelé « Roue oculaire ». L’oeil est un élément récurent dans mon travail, c’est celui qui voit, qui ressent mais qui voit aussi au delà du visible, oeil omniscient et conscient, il a un caractère mystique, sauvage, raffiné et parfois effrayant. Il est le témoin et au delà. Pour le mettre en évidence au sein d’un monde en mouvement, je l’ai placé au centre d’une « roue », la roue est un symbole primordial, à la fois élément technique de progrès et symbole du cycle de la vie, elle incarne le monde en mouvement. Ce symbole de roue prend la forme d’un ensemble de jersey crocheté en cercle, ce qui peut rappeler les napperons anciens, je vois dans le crochet et le tricot le symbole de la transmission des savoirs et des techniques, hélas qui se perdent.

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La toile du fond est d’un rouge sombre et brillant, cela accentue le côté organique déjà présent dans l’organe de l’oeil. Cela ajoute un côté vivant, sensoriel, étrange et quelque peu chimérique d’une créature magique « qui voit ».
Cela se présente comme une sorte d’étendard, forme que j’ai pris l’habitude d’utiliser car j’aime les bannières affichant l’identité et les droits de ceux qui la portent.
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Ce fut donc ma troisième exposition à Chieri. Cette fois ci la communication avec les organisateurs n’étaient pas vraiment limpide. Parfois les choses se passent bien, et parfois on ne peut que constater l’absence de respect que certains témoignent pour les artistes.
J’ai eu beaucoup de mal à avoir des réponses à mes mails, même en demandant des requêtes sur leurs murs facebook.
Apparemment je n’étais pas la seule à n’avoir reçu aucune réponse de la part des organisateurs, ils n’ont pas reçu d’autres oeuvres sélectionnées, j’ai trouvé que leur organisation avait un vrai manque de sérieux, même s’il y avait un prix, des journalistes, des élus, la télévision. Si j’étais mauvaise langue je dirais que cela cachait des manoeuvres pas très claires avec le prétexte d’accueillir des artistes, sur leur dos. Encore la politique, pour laquelle les artistes sont les éternels dindons. C’est tout de même inadmissible que des organisateurs ne prennent pas la peine de répondre à des mails, ni n’indiquent clairement à quelle adresse envoyer les oeuvres ni ne nous informent de leurs retours. Heureusement que j’ai pu me débrouiller autrement. Mais préparer une oeuvre n’est jamais quelque chose de simple : remplir des dossiers, rédiger des présentations, faire des photos et réaliser une oeuvre est autant de facette du travail d’un artiste.
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Catalogue d’exposition :

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 Cela me rappelle de faire attention aux personnes ou organismes avec lesquels je travaille, même quand ils sont officiels. Déjà tout ce qui a une connotation « humanitaire », je me méfie maintenant car derrière les beaux discours se cachent souvent les abus les plus indignes (rien qu’à voir tous les diners de charités aux Etats Unis et entendre les discours des riches je ris jaune). Je conseille aux artistes de rédiger une politique très clairs, en français les conditions de vente, CGV etc,… Il faut avoir des garanties sur le transport des oeuvres, leurs assurances, le paiement, le pourcentage perçu, et si notre présence est requise sur les défraiements possibles. Ca parait évident mais souvent les gens veulent se la jouer intime pour éviter toutes « ces questions chiantes ». Maintenant tout ce qui est flou, « à l’arrache », je préfère couper court. On dit souvent que les artistes ont la grosse tête, mais c’est parce qu’on essaie sans arrêt d’abuser de leurs « sensibilités » et « manque de sens des affaires » (ce qui est un cliché). Je dois sans cesse justifier mes tarifs et conditions, mais je préfère passer pour une prétentieuse qu’être la soubrette de ces messieurs.
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On est souvent pris, nous artistes, pour des demeurés, on méprise nos études d’arts, d’histoire, de philosophie, nos recherches plastiques, esthétiques et conceptuelles. On sert la main a des « gens importants » qui nous réduisent à des idiots utiles, quand on essaie de tourner notre travail en propagande, quelle qu’elle soit. . Aucune conversation sur l’art n’est possible, on entend des clichés stupides, des considérations esthétiques triviales, mais on doit sourire en acceptant de jouer le rôle de l’idiot. On peine à croire qu’ils sont habitués des expositions et de la culture tellement cela nous laisse l’impression qu’ils n’ont jamais rien vu de leurs vies. Et puis ça parle argent, si on a bien vendu, de combien est notre CA. Et vous ? vous avez bien dépensé l’argent du contribuable ?
Bref, un petit « coup de gueule » qu’il est malheureusement nécessaire de rappeler. Mais qui ne m’empêche pas de continuer de créer.
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Merci à Andrea pour les photos.

Exposition à Nancy pour le Modern Doll Fest

Exposition à Nancy pour le Modern Doll Fest
Comme annoncé plus tôt j’ai participé au Modern Doll Fest, l’événement Lolita de l’Est de la France qui a eu lieu le mois dernier près de Nancy.
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On pouvait voir une exposition de mes peintures, aquarelles et autres illustrations entourée d’autres artistes internationaux et pluridisciplinaires.
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J’exposais en exclusivité mon aquarelle « lapins » en m’appropriant un plus grand format sur papier d’Arches.
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Je présentais également un stand de mes créations textiles : bijoux et accessoires en pièces uniques (certains sont disponibles sur ma boutique en ligne) ainsi que des produits dérivés (badges, miroirs, cartes postales, T shirt,…) (disponible sur ce site).
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Cet événement fut la première convention lolita de l’Est, il se déroulait dans un endroit magnifique, un grand domaine bordé de verdure et de calme sur 9 hectares et d’anciens bâtiments rénovés comprenant un grand diocèse. Il faisait très beau et très chaud (cela me manque déjà). Je partagerais des photos du Domaine de l’Asnée dans une autre note prochainement.
Cette convention comprenait une exposition, des stands, des boutiques de toute sorte de produits (beauté, vêtements, accessoires, manga, poupées, il y avait même du thé,…), un défilé qui fut le grand moment de la journée et des conférences. Bien sur tout cela avait pour mission de partager ou faire découvrir la culture « lolita » et ses racines japonaises. J’ai déjà pu exprimer combien la culture japonaise et la culture gothic lolita était et reste une influence majeure dans mon travail. J’ai tenté de trouvé mon propre style et de ne pas rendre cette influence trop évidente, mais les connaisseurs le verront dans mon travail.
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J’ai également pu participer au défilé et porter une robe que je trouvais très belle. Ma coiffure et mon maquillage était assez sobres et nudes mais j’ai adoré re-défiler. Il faudra juste que je travaille mes poses si la situation se reproduit.
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Je porte une robe de la marque Akane & Alois
https://akane-alois.world.taobao.com/
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Je garde un bon souvenir de ce séjour à Nancy (même si j’avais peu dormi au final). C’est toujours inspirant et requinquant d’être au milieu de cette effervescence, au point que j’ai voulu reprendre la couture et réussit à finir une robe. Je partagerais des photos bientôt, certaines sont déjà visibles sur ma page Facebook.
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L’événement a largement été relayé par la presse et la télévision, les retours sont positifs, on peut déjà être sur que le rendez vous recommencera l’année prochaine.
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J’expose à Nancy pour le Modern Doll Fest

J’expose à Nancy pour le Modern Doll Fest
Je suis très contente d’exposer mes illustrations et mes bijoux pour la convention lolita organisée par l’association Rouge Dentelle & Rose Ruban (pole Est). C’était déjà cette association qui avait organisé les premières conventions Lolita à Paris où j’y exposais déjà mes bijoux.
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Convention Lolita Paris 2012
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Gothic lolita ?
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Le gothic lolita est pour moi non seulement une influence, c’est une émotion incroyable que j’ai eu et que j’ai encore liée à des souvenirs précieux. Il est une bouffée d’oxygène d’élégance, de douceur, de romantisme, d’esthétisme raffiné et de contre culture dans une société de plus en plus vulgaire, puritaine, xenophobe (dans le sens de la haine de ce qu’elle trouve étrange ou étranger à ces petites habitudes), sauvage et barbare. Cette philosophie est quelque chose qui fait partie intégrante de ma personnalité, c’est pourquoi il était tout naturel que j’admire ce style venant du Japon, principalement vestimentaire, mais lié à un mode de vie qui cherche l’élévation de soi par la culture, l’histoire, les arts, la création (ou le DIY), la curiosité, la sensibilité, le savoir vivre…
Tous ces codes peuvent effrayer la plupart des personnes qui aiment se laisser aller, mais ils sont là comme des guides et non comme des dictats (même si certaines personnes cherchent toujours, dans toute communauté, à imposer leur autorité et leurs règles). Ce style est avant tout un moyen de se faire plaisir et de sentir bien par l’émotion esthétique qu’il génère chez les plus sensibles.
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Ma rencontre
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Je suis tombée dedans il y a plus d’une dizaine d’années quand je suis revenue à Paris pour mes études d’arts plastiques à Paris 8. Je traversais à ce moment un certain spleen de la ville grise à cause de la nostalgie de mes merveilleuses années d’études de stylisme. Ma cure a été de plonger dans un univers rassurant, régressif, kitsch, romantique, trash et kawaii. J’ai commencé à relire les mangas de ma soeur (Akira notamment) et d’écouter du visual kei par son intermédiaire, puis nous avons rencontré des personnes qui partageaient cette passion. C’est grâce à elles que j’ai eu pour la première fois le magazine Gothic and Lolita Bible (2001), qui comme son nom l’indique est une référence. Puis ce fut les sorties (aux bars le Piano Vache, Black Dog, Kata bar,…), les concerts, les afters en soirées goths, pour finir en apothéose et passer un mois au Japon en 2005, le pays du rêve.
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Live de la chanson « solitude » du groupe Moi dix Mois. Noter le français si exotique pour les japonais. Le guitariste de ce groupe, Mana (ex Malice Mizer créé vers 1992) est une figure importante du gothic lolita, il a créé la marque Moi Même Moitié en 1999
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Premier numéro du magazine Gothic & Lolita Bible.
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Mana posant pour sa marque Moi même Moitié.
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exemple de patron d’accessoire dans le magazine Gothic & Lolita Bible 1
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L’évolution
 
J’ai trouvé tout ce qui me plaisait dans cette culture, la créativité par le vêtement et l’accessoire, je créais des jupes et des chemisiers, ainsi que tout un tas de petits accessoires. Dans ces fameux magazines (qu’on pouvait trouver vers 18 euros dans des boutiques comme Junku) on pouvait voir des photos mais aussi des tuto déco, maquillage et surtout couture avec des patrons à coudre. La culture japonaise garde ce rapport à la couture, le dessin, les arts appliqués que la France n’encourage plus (et ne me parlez pas d’émission TV). La couture, comme la cuisine (le budget, l’administratif,…) peuvent être des matières enseignées à l’école, tout comme le fait que ce sont les élèves qui nettoient leur classe et attribue une organisation pour se responsabiliser au différentes tâches.
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Je ne me suis jamais vraiment sentie faire parti de la communauté française, je suivais quelques sites, blogues et surtout quelques fora, mais je ne me retrouvais pas dedans. J’ai par exemple lu des membres avouer qu’elles n’aimaient pas le Japon, que pour elles le lolita n’était pas japonais (car son influence est en partie le XVIIIème siècle européen). Seulement seule la culture japonaise, son rapport à l’exotisme français, son fantasme pour les têtes couronnées, son jeunisme quasi maladif, sa culture manga unique a pu réinterpréter ainsi ces influences. 
Les marques phares de ce mouvement sont réellement belles, le prix, élevé par rapport au prêt à porter, est souvent justifié. Il s’est donc crée tout naturellement une certaine forme de culte de la marque, qui parfois dénature l’innocence du mouvement. Mais un mouvement, une communauté d’humains peut elle vraiment être innocente ?
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Vêtements de la marque Baby, the stars shine bright dans le numéro 2 du magazine Gothic & Lolita Bible (2001)
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Heureusement, de nombreuses personnes, créatives ou passionnées réussissent à faire perdurer le mouvement, en laissant une grande place aux jeunes créateurs tout en s’organisant autour du marché de la seconde main.
En m’exilant dans les Vosges, je ne m’attendais pas à rencontrer une Lolita près de chez moi, Yumi. C’est grâce à son enthousiasme, sa volonté de créer des projets et son ouverture d’esprit que je participe à cette aventure. J’apprécie qu’elle soit sensible aux origines ou « old school », au style « gothic » et à l’expression personnelle des petits créateurs.
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Mon travail
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gothic lolita Holy Mane
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J’ai mis en pause la confection de vêtements car j’adore le stylisme, mais je reconnais mes limites en modélisme. Je parviens tout à fait à créer un chemiser à mes mesures, mais dès qu’il s’agit d’en créer plusieurs dans différentes tailles, je perds trop de temps en couture. Je continue les bijoux, que je développe sous forme de broches, colliers, bracelets, boucles d’oreille etc… J’aime particulièrement les broches car elles peuvent être appliquées un peu partout, que ce soit sur le vêtement, un accessoire comme un foulard, dans la coiffure ou même les chaussures ou un sac. Je trouve que ça apporte le petit plus qui finit une tenue.
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bijoux Holy Mane
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bijoux Holy Mane
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Quelques bijoux Holy Mane
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Mes créations sont des modèles uniques, réalisées entièrement à la main. C’est pourquoi les prix sont plus élevés que s’il s’agissait de production à la chaine dans des ateliers délocalisés. J’utilise des matériaux glanés ici ou là, généralement non retrouvable, que ce soit des boutons, des perles, des sequins, des dentelles, des matières, des motifs, etc. J’utilise également des matériaux de bijoux fantaisies (chaine, attaches, anneaux, fermoirs,…) pour permettre de réduire les coûts. Je travaille ces matières avec des assemblages de couture, de la broderie, du crochet etc… J’ai également fait des recherches avec des pâtes polymères (Fimo, Wepam, Cernit,…), de la peinture, du vernis et de la résine. Je ne copie pas les bijoux fantaisies, je crée mes moules personnels. Ainsi c’est tout ce processus de recherches et ce travail de confection qui justifie le prix de ces bijoux uniques. 
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Mes bijoux sont en parties en vente sur ma boutique :
boutique Holy Mane
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Mes créations sont destinées pour toutes celles et ceux qui désirent marquer leur singularité, leur différence par rapport aux modèles standardisés, qui connaissent la valeur des matières et du travail à la main, militant contre un monde industriel aliénant. Quand je brode, dessine, couds, je pense au travail de William Morris et de son mouvement Arts and Crafts qui sont une grande influence pour moi.
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Quelques accessoires et bijoux Holy Mane
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J’exposerai également des dessins originaux et des produits dérivés (cartes postales, badges, miroirs,…) qu’on peut déjà se procurer sur mon autre boutique (envoyez moi un mail si vous êtes intéressés) :
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Informations pratiques
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Le Modern Doll Fest est la première convention lolita organisée par le pole Est de l’association Rouge Dentelle & Rose Ruban. Elle aura lieue le samedi 29 Août 2015 de 14h à 19h. Cet évènement réunit une exposition d’illustrateurs et de photographes inspirés par la mode Lolita, un défilé de mode (où je défile d’ailleurs pour une marque), une conférence et plusieurs stands de boutiques de créateurs.
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gothic lolita
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Domaine de l’Asnée
11 Rue de Laxou, 54600 Nancy
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Le lendemain ne manquez pas la East Tea Party II

colliers et bracelets « Futhark »

colliers et bracelets « Futhark »


I have not finished to draw runes on my jewels. This time I would add the wood work. I use pyrography to engrave twice in a pearl those little symbols.

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I create a necklace in wood and metal. It represents the 24 runes in the order of the Futhark. I choose to end with the Dagaz one, because I prefer to work with this order.

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I’ve updated my online shop, you can buy this necklace here :

http://www.alittlemarket.com/collier/collier_bois_clair_et_metal_futhark-5910727.html

For the while it exist in one unique exemple.

Please note that I’ve  openned a Facebook Page to promote my creation, don’t hesitate to like and share if you want.

https://www.facebook.com/HolyManeUnvolk

I create some bracelets with this wood pearls. Each bracelet has 8 of them, like the 8 runes of one aett. This is why I call them from the nordic god who governed the aett.

The material are wood, rocaille bead and cotton’s string. It is put together with « shamballa » knot. So the size is adjustable.

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The first aett is for Freyr :

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available on my shop :

http://www.alittlemarket.com/bracelet/bracelet_bois_et_coton_runes_de_freyr-5913639.html

The second one is for Heimdall :

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http://www.alittlemarket.com/bracelet/bracelet_bois_et_coton_runes_de_heimdall-5913645.html

And the third is for Tyr :
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Quelques bijoux récemment montés.

Quelques bijoux récemment montés.

Voici quelques bijoux récemment montés :

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La rune othalaz en résine sur chaine métal. Petite série réalisées à la main.

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Pendentif de bois d’if imprimé en linogravure et résiné. Le personnage vient de cette illustration :
Pièce unique.

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Le symbole de Saturne en pendentif en résine sur chaîne métal (petite série réalisée à la main) :

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Trois colliers :

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Un pierre de jade cerné de perles montée en pendentif (pièce unique) :


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Une autre pierre de jade crocheté de fil et de perles, montée en pendentif (pièce unique) :

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Différents angles de vue :

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Riccardo

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J’aime toujours autant cette collection automne 2009 de Givenchy. J’en parlais encore dans cette note.

Je ne sais pas si elle en est un peu responsable, mais j’aime encore plus la couleur doré, le métallique, le brillant, les paillettes. D’ailleurs j’ai un pan de tissu à paillette accroché sous une corne de cerf, à côté de mon lit. Un moment le doré était moins à la mode et donc facilement jugé comme kitsch, ringard ou « bling-bling » par ceux qui pensent être en dehors de la mode, mais prouvent qu’ils sont influencés plus qu’ils ne le voudraient. J’aime bien cette « couleur-matière ».